Como ya sabrán, estas últimas semanas, les he estado comentando diferentes estrategias para comenzar con nuestro reel o portafolio de producción y mezcla. Desde como conseguir multitracks de manera gratuita para practicar y perfeccionar nuestra técnica, hasta como afrontar procesos de composición y producción en diferentes géneros musicales, que podemos realizar por nosotros mismos. Y por supuesto, algunas estrategias para aprender como podemos ir consiguiendo algunos nuevos clientes ofreciéndoles nuestros servicios de diferentes formas.
Para sumarme al cause de esta corriente, y como lo prometido es deuda, hoy les quiero compartir el análisis detallado de una de mis primeras canciones realizadas bajo el formato de "música cinemática para videojuegos", donde les muestro paso a paso, que fue lo que hice en la composición de los diferentes instrumentos, y les comento como fue su evolución desde las primeras lineas escritas con Xpand2, el software de síntesis nativo de Pro Tools, hasta como terminó siendo lo que es hoy.
Hacia el final, les muestro un análisis muy leve y resumido de la mezcla. Sin embargo, en esta oportunidad el foco está totalmente centrado en la parte musical y no en la técnica, por lo que el mayor porcentaje del tiempo se centra en la composición y arreglo.
Pro Tip #1
Aunque este sea el mayor de los clichés, lo primero que se debe hacer para entender como funciona la música para videojuegos, es jugar. Lo que debes hacer diferente a cualquier jugador promedio, es intentar entender como funciona la música dentro de los diferentes escenarios. Como actúa la música según el rival, el escenario, o el mundo abierto. Además de entender que tipo de música funciona mejor para cada tipo de juego.
Pro Tip#2
Pese a que esto es una opinión personal, sugerida mediante el aprendizaje, creo que la mejor formula y estructura para la música de videojuegos es la forma A-B. En donde solo tenemos dos partes. Como me gusta llamarles, tendríamos la parte A como la parte de "Acción" y la parte B como la parte de "Reacción".
Pro Tip#3
Recuerda que aunque ya tengas una composición de 2 partes establecidas o una composición "A-B", puedes ahora analizar tu track de forma vertical v/s horizontal. Así puedes saber que tipo de instrumentos añadir o quitar para generar diferente acentos en cada una de las secciones y mantener la dinámica de tu composición. A lo que me refiero es que puedes hacer otra sub composición A-B de la global ya establecida agregando o quitando capas de instrumentos.